¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación. Coreografía, Danza, Performance.
PRESENTACIÓN

Después de cinco años de preparación, con el apoyo de la Secretaría de Cultura, el Goethe-Institut Mexiko, el Centro Cultural de España en México, Danza UNAM, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), la Coordinación Nacional de Danza, el Museo Universitario del Chopo (MUCH) y el Centro de Investigación CENIDI-Danza José Limón, se convoca a la primera edición del Diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de Investigación. Coreografía, Danza, Performance, que será certificado por la Secretaría de Cultura- SEP.

Desde 2012, a partir de un fuerte interés por generar un espacio de reflexión, investigación y experimentación sobre la práctica coreográfica, Alma Quintana organiza, gestiona e imparte varios seminarios con el apoyo de la Secretaría de Cultura en colaboración con el Centro Cultural de España y algunas Universidades al interior del país.

En cada edición se han observado las inquietudes de los participantes, analizado los resultados y las transformaciones en las formas de trabajar y pensar. Al considerar los elementos que necesitan fortalecerse o expandirse, surge la inquietud de imaginar, conceptualizar y proponer una plataforma artística y educativa que potencie distintos marcos de trabajo, capaces de reflexionar sobre las características, el desarrollo y las implicaciones sociales, estéticas y políticas de las prácticas artísticas contemporáneas.

El Diplomado ¿Cómo encender un fósforo?, coordinado en colaboración con Marta Sponzilli  y Silverio Orduña, se llevará a cabo de octubre 2017 a junio 2018, gracias al apoyo de las siguientes instituciones: Secretaría de Cultura, Goethe-Institut Mexiko, Centro Cultural de España en México, Danza UNAM, Coordinación Nacional de Danza, Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), Museo Universitario del Chopo y Centro de Investigación CENIDI-Danza José Limón.

OBJETIVOS
  • Construir una plataforma de investigación y creación en el campo de la danza, la coreografía y la performance, desde una perspectiva pedagógica, artística y estética.

  • Generar estrategias para apoyar, acompañar y potenciar los intereses artísticos de los participantes para desarrollar una investigación individual o colaborativa dentro de un contexto colectivo.

  • Actualizar y poner en discusión las implicaciones de las reflexiones y referentes de las prácticas artísticas contemporáneas.

  • Experimentar sobre las maneras de relacionar la práctica, la teoría y sus posibles hibridaciones.

  • Propiciar un entorno de discusión y crítica que irrumpa en el campo de acción de la coreografía, la danza y la performance.

  • Relacionar el desarrollo de la práctica con los dispositivos de exhibición de la práctica.

  • Enriquecer el potencial perceptivo de los participantes.

  • Producir diversos medios que den seguimiento a las prácticas: registrar, documentar, formar un archivo.

  • Identificar cuáles son los agentes que participan en el campo de las prácticas para (re)imaginar las posibilidades de mediación en la producción artística (espectador, artista, instituciones y espacios).

DIRIGIDO A

Coreógrafos, bailarines, artistas, estudiantes en formación y públicos interesados en la reflexión del cuerpo a través de la investigación artística.


ENFOQUE

¿Cómo encender un fósforo? será un proceso colectivo de acompañamiento y facilitación en el que la revisión de los contenidos teóricos, junto con los laboratorios permitirán la articulación de prácticas con la intención de mover los intereses particulares hacia lugares compartidos y de colaboración. Uno de los propósitos principales es promover que los participantes generen habilidades para relacionar, pensar y laborar sobre conceptos, elementos y herramientas necesarios en su quehacer, para que propongan metodologías de investigación, así como los medios para abordarlos. Es así que los ejes principales de exploración serán por un lado los cuestionamientos en torno a la pregunta base de los seminarios que lo anteceden: ¿qué puede hacer la coreografía?, y el debate y estudio sobre el concepto de PRÁCTICA.

¿Cómo se desarrolla una práctica y cuáles son sus características? 

¿Cuál es la relación de la práctica y la investigación artística?

¿Desde qué lugares la práctica se vincula con el entorno?

¿Cómo se retroalimentan o en qué sitios se encuentran la teoría y la práctica? 

Las prácticas desarrolladas por los participantes irán de la mano de un ejercicio curatorial para el Festival que concluirá el proceso del Diplomado.


FESTIVAL

El Festival ¿Cómo encender un fósforo? es un soporte para visibilizar prácticas artísticas vinculadas con la danza, la coreografía y la performance. Su propósito es abrir el cuestionamiento y la reflexión en torno a la rigidez de los medios del arte, pero principalmente se centra en indagar acerca de cuatro ejes de carácter estético: 1) ¿qué estrategias corporales se utilizan para construir la identidad?, 2) ¿cómo se relaciona el cuerpo con los objetos?, 3) ¿qué implicaciones políticas devienen del emplazamiento del cuerpo en el espacio público? y 4) ¿qué dispositivos y marcos de visibilidad dan forma a las prácticas artísticas contemporáneas?

El festival pretende establecer un diálogo entre las prácticas de los participantes del Diplomado, sus procesos de investigación durante las sesiones de trabajo y sus preguntas para llegar a concretar un proyecto artístico. La discusión estará abierta y acompañada por el contexto local, por ejemplo, se persigue que desde la articulación de las prácticas se encuentren los medios para relacionarse con el espectador. Además, se pondrán en diálogo con las prácticas de artistas nacionales e internacionales invitados, cuyos perfiles permitirán complementar el temario desde una perspectiva teórica y crítica. Por último, se busca que las instituciones que hacen posible el Diplomado estén involucradas en los procesos, con la finalidad de construir redes de trabajo e interacciones entre todos los agentes participantes.


ESQUEMA DE TRABAJO

Duración del diplomado: 9 meses de noviembre de 2017 a junio de 2018 (200 horas en total).

Horario de los módulos: 10:00 a 15:00 horas (a excepción del modulo I, VII y VIII)  

Cada módulo tiene una duración de 20 horas, repartidas en 4 días de la siguiente manera:

Día 1 y 2

Prácticas con el cuerpo y contenido teórico (5 horas por día).

Día 3 y 4 

Laboratorio para el desarrollo de la práctica base: vinculación entre el hacer y el pensar (5 horas por día).

Otras actividades:

- Clases magistrales 

- Encuentros y sesiones de trabajo 

- Actividades de mediación

MÓDULOS

MÓDULOS 

Módulo I.  Coreografía y Danza. Campo y práctica  

  1. Mapeo y revisión histórica a partir de 1960    

  2. ¿Qué es lo contemporáneo en las prácticas coreográficas y dancísticas?  Nociones y posicionamientos.

  3. Campos de acción del coreógrafo (investigación, organización, conceptualización, gestión, docencia, performer)

  4. Problematizando el concepto de práctica

 

Módulo II. Coreografiando problemas. Pensar la danza, mover ideas

  1. Intercambio entre métodos filosóficos y coreográficos

  2. Modos de operación entre sensación, percepción y atención

  3. Repartición de lo sensible. Estética y política en las prácticas contemporáneas.

  4. ¿Qué puede hacer la coreografía?

  5. Prácticas co-imaginativas: orquestando utopías

 

Módulo III. Gestión, contexto y modos de organización. Residencia artística.

Espacio de intercambio para profundizar y compartir sobre las prácticas artísticas individuales; reflexionando sobre la gestión de proyectos, formas de producción y obtención de recursos, condiciones de trabajo,  y los posibles posicionamientos del artista en su contexto.

  1. Gestión y metodología de proyectos

  2. Formas de producción, redes colaborativas  

  3. Discurso artístico y su relación con el contexto

  4. Públicos, promoción y difusión de obra artística

  5. Condiciones de trabajo y modos de organización

 

Módulo IV. Dispositivos, herramientas y documentación en la práctica

  1. Dispositivo y discurso en el espacio

  2. Revisión, creación e interpretación de scores como herramientas de acción y mediación.

  3. Estrategias de retroalimentación en procesos de creación (feedback)

  4. El problema de la documentación: del registro al impulso creativo (memoria, visibilidad, circulación, archivo, entre otros)

  5. Agentes de acompañamiento en la práctica (dramaturg, curador, crítico, académico y públicos)

 

Módulo V.  Políticas del performance

  1. Performance y performatividad

  2. Transformación y persperctiva queer

  3. Social choreography (Hewitt)

  4. Presentación y representación


Módulo VI. Intermedialidad: estrategias corporales y coreográficas en la historia del arte contemporáneo.

  1. Ensambles, ambientes,  happenings y Fluxus.

  2. La escultura minimalista y el análisis de Michael Fried.

  3. Entre arquitectura y paisaje: el campo expandido de Rosalind Krauss.

  4. Descentrar la subjetividad moderna: la instalación y las obras de sitio específico.

  5. Un giro social: el arte participativo y el espectador emancipado.

  6. Negociaciones entre objeto y acción.

  7. Los objetos coreográficos

 

Módulo VII. Movimiento y Decolonialidad, más allá de la división binaria entre contemporáneo y tradicional

  1. Danzas subalternas, trasplante y resistencia: La práctica de lo común como acto de empoderamiento

  2. Políticas del movimiento: Agencia social y medioambiental de la acción ritual

  3. Descargas (downloads) y encuerpamiento de danzas y práctias culturales en nuevos contextos geográfico-temporales.

  4. Tradición: una perspectiva decolonial

 

Módulo VIII. Preguntas y problemas de coreografía para teatro, espacios de exposición y situaciones públicas.

  1. La modernidad y los espacios para el arte.

  2. El museo como institución y sus agentes.

  3. De los salones al cubo blanco: la coreografía habitual del espacio expositivo.

  4. La danza irrumpe en el museo, el museo disloca la práctica dancística.

  5. El discurso en el espacio: el curador como coreógrafo.


CUPO LÍMITE

25 personas


FECHAS IMPORTANTES

Publicación de convocatoria: 9 de agosto

Fecha límite para aplicar al Diplomado: 20 de octubre a las 23:00 horas.

Publicación de seleccionados: 24 de octubre.


PROCESO DE INSCRIPCIÓN POR ETAPAS

Primera: Aplicar al Diplomado llenando el FORMULARIO que incluye:

a) Semblanza curricular  

b) Descripción general de un proyecto a desarrollar que incluya las ideas e intereses para experimentar/investigar

c) Exponer las preguntas y principios que movilizan al proyecto

c) Breve de motivación para formar parte del Diplomado

Segunda: Publicación de resultados en la página oficial del diplomado y sus redes sociales, así como en las páginas de instituciones que apoyan al Diplomado.

Tercera: Firma de carta compromiso al realizar el pago por la cuota de recuperación


CUOTA DE RECUPERACIÓN PARA TODO EL DIPLOMADO**

$6,000.00 (seis mil pesos 00/100 M.N.)

Opciones de pago: 

1) Pago único  de $5,400 (cinco mil cuatrocientos pesos 00/100 M.N.)  que incluye 10% de descuento.

2) Dos pagos de $3,000 (tres mil pesos 00/100 M.N.). El primero en octubre 2017 y el segundo enenero 2018.

Las fechas y el lugar para el pago se darán a conocer con la lista de seleccionados.  

**Incluye los 8 módulos, todas las clases magistrales y actividadesde mediación, transporte y hospedaje para la residencia en Morelia, Michoacán, la logística, difusión y un monto fijo de producción para el Festival por grupos de trabajo. 

EL DIPLOMADO ESTARÁ CERTIFICADO POR LA SECRETARÍA DE CULTURA SEP

Requisitos para la obtención del diploma: cursar los ocho módulos y tener el 80% de asistencia a todas las actividades programadas.

Coordinan:  Alma Quintana, en colaboración con Marta Sponzilli y Silverio Orduña.




Centro Cultural de España en México


Goethe-Institute Mexiko



Danza UNAM



Museo Universitario de Arte Contemporáneo



CENIDI Danza CENART