PRESENTACIÓN

Después de cinco años de preparación, con el apoyo de la Secretaría de Cultura, el Goethe-Institut Mexiko, Danza

UNAM, el Fondo Nacional  para la Cultura y las Artes, el Centro Cultural de España en México, , el Museo Universitario

Arte Contemporáneo (MUAC), la Coordinación Nacional de Danza y el Museo Universitario del Chopo (MUCH) , se con-

voca a la primera edición del diplomado ¿Cómo  encender un fósforo? Prácticas de Investigación. Coreografía, Danza,

Performance, que será certificado por la Secretaría de Cultura- SEP. Desde 2012, a partir de un fuerte interés por generar

un espacio de reflexión, investigación y experimentación sobre la práctica coreográfica, Alma Quintana organiza,

gestiona e imparte varios seminarios con el apoyo de la Secretaría de Cultura en colaboración con el Centro Cultural de

España y algunas Universidades al interior del país. En cada edición se han observado las inquietudes de los participan-

tes, analizado los resultados y las transformaciones en las formas de trabajar y pensar. Al considerar los elementos que

necesitan fortalecerse o expandirse, surge la inquietud de imaginar, conceptualizar y proponer una plataforma artística

y educativa que potencie distintos marcos de trabajo, capaces de reflexionar sobre las características, el desarrollo y las

implicaciones sociales, estéticas y políticas de las prácticas artísticas contemporáneas. El diplomado ¿Cómo encender

un fósforo?, coordinado en colaboración con Marta Sponzilli  y Silverio Orduña, se llevará a cabo de noviembre 2017 a

junio 2018, gracias al apoyo de las instituciones antes mencionadas.

OBJETIVOS

- Construir una plataforma de investigación y creación en el campo de la danza, la coreografía y la performance, desde

una perspectiva pedagógica, artística y estética.

- Generar estrategias para apoyar, acompañar y potenciar los intereses artísticos de los participantes para desarrollar

una investigación individual o colaborativa dentro de un contexto colectivo.

- Actualizar y poner en discusión las implicaciones de las reflexiones y referentes de las prácticas artísticas contempo-

neas.

- Experimentar sobre las maneras de relacionar la práctica, la teoría y sus posibles hibridaciones.

- Propiciar un entorno de discusión y crítica que irrumpa en el campo de acción de la coreografía, la danza y la

performance.

- Relacionar el desarrollo de la práctica con los dispositivos de exhibición de la práctica.

- Enriquecer el potencial perceptivo de los participantes.

- Producir diversos medios que den seguimiento a las prácticas: registrar, documentar, formar un archivo.

- Identificar cuáles son los agentes que participan en el campo de las prácticas para (re)imaginar las posibilidades de

mediación en la producción artística (espectador, artista, instituciones y espacios).

ENFOQUE

¿Cómo encender un fósforo? será un proceso colectivo de acompañamiento y facilitación en el que la revisión

de los contenidos teóricos, junto con los laboratorios permitirán la articulación de prácticas con la intención de mover

los intereses particulares hacia lugares compartidos y de colaboración. Uno de los propósitos principales es promover

que los participantes generen habilidades para relacionar, pensar y laborar sobre conceptos, elementos y herramientas

necesarios en su quehacer, para que propongan metodologías de investigación, así como los medios para abordarlos. Es

así que los ejes principales de exploración serán por un lado los cuestionamientos en torno a la pregunta base de los

seminarios que lo anteceden: ¿qué puede hacer la coreografía?, y el debate y estudio sobre el concepto de PRÁCTICA.

¿Cómo se desarrolla una práctica y cuáles son sus características?  ¿Cuál es la relación de la práctica y la investigación

artística? ¿Desde qué lugares la práctica se vincula con el entorno? ¿Cómo se retroalimentan o en qué sitios se encuen-

tran la teoría y la práctica?  Las prácticas desarrolladas por los participantes irán de la mano de un ejercicio curatorial

para el Festival que concluirá el proceso del Diplomado.

ORGANIZACIÓN

Duración del diplomado: 9 meses de noviembre de 2017 a junio de 2018.  

Cada módulo tiene una duración de 20 horas.

Otras actividades: Clases magistrales, encuentros y sesiones de trabajo, actividades de mediación. 

Coordinan: AlmaQuintana en colaboración con Marta Sponzilli y Silverio Orduña

El Diplomado estará certificado por la Secretaría de Cultura-SEP

MÓDULOS 
Módulo I.  Coreografía y Danza. Campo y práctica  

· Mapeo y revisión histórica a partir de 1960    

· ¿Qué es lo contemporáneo en las prácticas coreográficas y dancísticas?  Nociones y posicionamientos.

· Campos de acción del coreógrafo (investigación, organización, conceptualización, gestión, docencia, performer)

· Problematizando el concepto de práctica

 

Módulo II. Coreografiando problemas. Pensar la danza, mover ideas

· Intercambio entre métodos filosóficos y coreográficos

· Modos de operación entre sensación, percepción y atención

· Repartición de lo sensible. Estética y política en las prácticas contemporáneas.

· ¿Qué puede hacer la coreografía?

· Prácticas co-imaginativas: orquestando utopías

 

Módulo III. Gestión, contexto y modos de organización (Residencia artística) 

Espacio de intercambio para profundizar y compartir sobre las prácticas artísticas individuales; reflexionando sobre la gestión de proyectos,

formas de producción y obtención de recursos, condiciones de trabajo,  y los posibles posicionamientos del artista en su contexto.

· Gestión y metodología de proyectos

· Formas de producción, redes colaborativas  

· Discurso artístico y su relación con el contexto

· Públicos, promoción y difusión de obra artística

· Condiciones de trabajo y modos de organización

 

Módulo IV. Dispositivos, herramientas y documentación en la práctica

· Dispositivo y discurso en el espacio

· Revisión, creación e interpretación de scores como herramientas de acción y mediación.

· Estrategias de retroalimentación en procesos de creación (feedback)

· El problema de la documentación: del registro al impulso creativo (memoria, visibilidad, circulación, archivo, entre otros)

· Agentes de acompañamiento en la práctica (dramaturg, curador, crítico, académico y públicos)

 

Módulo V.  Políticas del performance

· Performance y performatividad

· Transformación y persperctiva queer

· Social choreography (Hewitt)

· Presentación y representación


Módulo VI. Intermedialidad: estrategias corporales y coreográficas en la historia del arte contemporáneo

· Ensambles, ambientes,  happenings y Fluxus.

· La escultura minimalista y el análisis de Michael Fried.

· Entre arquitectura y paisaje: el campo expandido de Rosalind Krauss.

· Descentrar la subjetividad moderna: la instalación y las obras de sitio específico.

· Un giro social: el arte participativo y el espectador emancipado.

· Negociaciones entre objeto y acción.

· Los objetos coreográficos

 

Módulo VII. Movimiento y Decolonialidad, más allá de la división binaria entre contemporáneo y tradicional

· Danzas subalternas, trasplante y resistencia: La práctica de lo común como acto de empoderamiento

· Políticas del movimiento: Agencia social y medioambiental de la acción ritual

· Descargas (downloads) y encuerpamiento de danzas y práctias culturales en nuevos contextos geográfico-temporales.

· Tradición: una perspectiva decolonial

 

Módulo VIII. Preguntas y problemas de coreografía para teatro, espacios de exposición y situaciones públicas.

· La modernidad y los espacios para el arte.

· El museo como institución y sus agentes.

· De los salones al cubo blanco: la coreografía habitual del espacio expositivo.

· La danza irrumpe en el museo, el museo disloca la práctica dancística.

· El discurso en el espacio: el curador como coreógrafo.